Aqui em parte nenhuma

Entre os dias 10 a 12 de junho e 8 a 10 de julho, esteve em encenação Aqui em parte nenhuma no espaço Cão Danado em Vila Nova de Famalicão. A sala, apesar das restrições impostas de momento, esteve cheia no último dia. E como já se tem tornado costume meu, fui assistir a esta peça, que não só tem uma mensagem social forte, como tem uma conceção poética e uma identidade estética muito vincadas.

Organizada a partir de colagens de excertos de autoras notáveis da literatura portuguesa – como Maria Isabel Barreno, Maria Teresa Horta, Maria Velho da Costa, Ana Hatherly, Fiama Pais Brandão e Maria Gabriela Llansol, apenas para citar algumas -, a obra constitui, creio, um bom exemplo do que Umberto Eco definiu como sendo a “obra aberta”, um conceito que explica um eixo fundamental da poética e da estética da arte contemporânea. Ou seja, existe uma relação (baseada num veículo fundamental: a ambiguidade) entre a própria obra – quer a textual, quer a performática – e o público-consumidor. Deixo que Eco explique:

«Para não se incorrer em equívocos terminológicos, é preciso observar que a definição de ‘aberta’ dada a essas obras, ainda que sirva magistralmente para delinear uma nova dialética entre obra e intérprete, deve ser tomada aqui em virtude de uma convenção que nos permita fazer abstração de outros significados possíveis e legítimos da mesma expressão. Tem-se discutido, de fato, em estética, sôbre a ‘definitude’ e a ‘abertura’ de uma obra de arte: e êsses dois têrmos referem-se a uma situação fuitiva que todos nós experimentamos e que freqüentemente somos levados a definir: isto é, uma obra de arte é um objeto produzido por um autor que organiza uma seção de efeitos comunicativos de modo que cada possível fruidor possa recompreender (através do jôgo de respostas à configuração de efeitos sentida como estímulo pela sensibilidade e pela inteligência) a mencionada obra, a forma originária imaginada pelo autor. Nesse sentido, o autor produz uma forma acabada em si, desejando que a forma em questão seja compreendida e fruída tal como a produziu; todavia, no ato de reação à teia dos estímulos e de compreensão de suas relações, cada fruidor traz uma situação existencial concreta, uma sensibilidade particularmente condicionada, uma determinada cultura, gostos, tendências, preconceitos pessoais, de modo que a compreensão da forma originária se verifica segundo uma determinada perspectiva individual. No fundo, a forma torna-se estèticamente válida na medida em que pode ser vista e compreendida segundo multíplices perspectivas, manifestando riqueza de aspectos e ressonâncias, sem jamais deixar de ser ela própria (…). Neste sentido, portanto, uma obra de arte, forma acabada e fechada em sua perfeição de organismo perfeitamente calibrado, é também aberta, isto é, passível de mil interpretações diferentes, sem que isso redunde em alteração de sua irreproduzível singularidade. Cada fruição é, assim, uma interpretação e uma execução, pois em cada fruição a obra revive dentro de uma perspectiva original.»

Lê-se no panfleto à peça:

«Um espectáculo polifónico, entre os silêncios, os vazios, os gritos, as perplexidades, as interrogações, da festa e de rosas de riso, num território de cartografia desenhada das múltiplas e plurais vozes ‘delas’.» E, no entanto, a partir da imagem final – a de uma mulher (Rafaela Sá) – como as outras, anónima – coberta por um enorme véu branco poderá encarnar tanto o arquétipo da mulher pura como a Virgem Maria, como uma narradora que, vestindo um papel socialmente aceitável, não consegue viver as outras versões de si própria – as mostradas ao longo de toda a performance. Um espetáculo tanto polifónico como monofónico, parece-me, aliás, como as Novas Cartas Portuguesas, o texto-matriz da peça.

Outra cena que permitiu abertura interpretativa foi aquela em que uma menina morre, sentada num sofá. É-lhe colocado um lençol branco por cima do corpo – não antes sem lhe retirar o peluche das mãos e lhe colocar um outro objeto na mão, que me pareceu ser (sem certezas) uma lâmina – e aquela que o faz, mais tarde, toma o seu lugar tanto no sofá quanto na morte. Terá a rapariga cometido suicídio ou foi coagida por outras mulheres a morrer? Será esta morte literal ou simbólica? Será uma analogia para a morte de uma infância, que nos tornaria adultos capazes?

A ambiguidade de significados está presente, portanto, na ação, que nunca chega a ser explicada ou reduzida a um fio condutor de uma narrativa única, com princípio, meio e fim bem delineados. É no gesto ambíguo que a peça se centra, como modelo estético. Resta saber se este é uma atitude programática ou pontual no trabalho de Paulo Capelo Cardoso, diretor de Aqui em parte nenhuma.

Neste caso em especial há ainda, para além deste tipo de ‘abertura’ interpretativa do público, outro tipo de relação referida também por Eco em Obra Aberta – a das atrizes com o texto, a forma final do encenador. A essa estrutura objetiva, as intérpretes (Alice Ferreira, Inês Mondim, Joana Sarabando, Júlia Rodrigues e Nádia Matos) acrescentaram as suas próprias vozes através de um estilo de improviso muito semelhante ao da Commedia dell’Arte.

Um breve comentário se me apraz fazer acerca dos restantes elementos. Excelente escolha musical que parte de Vivaldi, The Antlers (Kettering),  Sonic Youth (Kool Thing) para chegar a – creio – Max Richter.

Há, sem dúvidas, um novo vigor neste tipo de fazer teatro, que mescla importantes textos de autoria feminina – e que, portanto, estão ainda, infelizmente, votados ao silêncio pelas almas portuguesas – com fundamentais problemas sociológicos e questões em aberto para serem respondidas de forma coletiva. Afinal, como queremos ver a(s) mulher(es) tratada(s)? E nós, mulheres, como queremos passar a viver?

Retomo um apelo já feito noutros tempos. Ide ao teatro.